jueves, 31 de julio de 2008

Las últimas horas de una cucaracha

Finales, el devenir de una noche agitada

La directora Beatriz Catani estrena hoy, en Ciudad Cultural Konex, una personal experiencia escénica

Noche de insomnio. Un largo sillón desvencijado. La marcha peronista en versión litoraleña. Penumbra. Tres personajes principales. Uno de ellos, Amelia, sigue con la vista a una cucaracha, la aplasta, la observa. Así comienza Finales, el potente trabajo de Beatriz Catani que hoy se estrena en Buenos Aires después de haber hecho funciones en La Plata -su ciudad natal- y en el Kunsten Festival, de Bélgica.

Cuando Finales estaba en su principio, lo único que sabía Catani era qué no hacer. "No quería repetir los modelos de representación de Ojos de ciervo rumanos o de Cuerpos A banderados (sic); no quería tampoco trabajar en un tipo de teatro más documental, como Los 8 de julio . Entonces, empecé a indagar casi desde la nada en algo que, siendo ficcional, volviera a poner en tela de juicio a la representación. Algo de eso hubo en los inicios del trabajo", dice sobre su especie de Dogma.

Junto al elenco partieron de un texto no teatral basado en imágenes, en impresiones. Era un momento en el cual ella reconoce haber estado en crisis con el teatro, en crisis personal y afectiva y todo eso se mezclaba. "Tampoco queríamos trabajar con muchos artificios, como luces y escenografía. Todo debía estar apoyado en la palabra, en el decir y en las situaciones actorales. Lo único que dio una unidad a todas esas situaciones era el estar observando la muerte de una cucaracha. Ese era el único marco ficcional que nos permitimos. El resto son situaciones que derivan a partir del decir y de los cuerpos", agrega sobre este trabajo que ya tuvo su crítica en estas páginas el año pasado, más que elogiosa, cuando estaba haciendo funciones en La Plata.

Ella imaginaba que la obra (o laexperiencia, se podría llamar) debía durar toda una noche. Hasta imaginó que el título podía ser Insomnio . Pero quedó en dos horas y cuarto, una hora más que la media de la mayoría de las propuestas de la escena alternativa. "En una obra de una hora y cuarto el actor puede controlar y manejar todo. En más de dos horas hay momentos en los que se pierde el ritmo, en los que se pierde control sobre la actuación. Esa zona me interesaba trabajar...", sostiene una de las voces más inquietantes del panorama escénico local.

Como con la mayoría de sus propuestas, Beatriz Catani prepara sus trabajos en la ciudad de las diagonales y, luego, los trae aquí. "Tengo mi vida allá y me gusta trabajar con gente de allá -reconoce quien se la pasa varias horas recorriendo la autopista La Plata-Buenos Aires-. Si bien los tiempos son más largos y más trabajosos, siento que se genera algo más personal porque trabajo con gente formada por mí y tomándonos otros tiempos."

Así es que con esos actores, esa pérdida del control del tiempo, la fuerza de las acciones físicas, el humor latente y un personal devenir mientras una cucaracha se muere se convierten en eje de una poética. Casi al final de Finales , Amelia dice: "Aplasté la cucaracha; sí. La cucaracha se murió, sí. Siempre pensé que si una acción se realiza, se completa, se llega a un fin. Pero no, seguimos y seguimos, siempre aparece una nueva necesidad. No sé. ¿Qué es entonces un final? Yo me voy...".

Alejandro Cruz

Finales, de Beatriz Catani con Magdalena Arau, María Amelia Pena, Julieta Ranno, Matías Vértiz, Sonia Stelman y María Laura Martorell.

Ciudad Cultural Konex, Sarmiento 3131. Funciones los jueves, a las 20.30.

Fuente: La Nación

miércoles, 30 de julio de 2008

Sigue 'Decálogo, Indagaciones sobre los 10 mandamientos'

Escrito por artezblai

Miércoles, 30 de Julio de 2008 11:30

Continúa el ciclo “Decálogo, Indagaciones sobre los 10 mandamientos'”, coordinado y curado por Matías Umpierrez, que en el mayo pasado estrenó con éxito las puestas de Vilo-Szchumacher, Chaud-Paula y León Mora-Garrote, y que en julio presenta su nueva edición con tres nuevos espectáculos: “Tras nosotras la lluvia , honrarás a tu padre y a tu madre” del dramaturgo español Jerónimo Cornelles y dirección de Andrés Binetti, “Este amor es una fiesta, no matarás” de Agustina Muñoz con dirección de Mariela Asensio y “Cuentos putos, no cometerás actos impuros” del novelista Alejandro López con dirección de Inés Saavedra.

Sobre el Ciclo:
El decálogo son aquellos 10 mandamientos de la ley de Dios que llegaron a las manos de Moisés en el Monte Sinaí y que fueron dados al hombre como principios o normas básicas para el ejercicio de cualquier actividad.

Ahora 10 directores y 10 dramaturgos indagan sobre este universo de la teología moral, dando como resultado 10 espectáculos teatrales que, en cada caso, dialogan con la intención original de cada mandamiento.

En su entrega inicial, durante el mes de mayo y junio, Rubén Szuchmacher, Lautaro Vilo, Romina Paula, Mariana Chaud, Andrea Garrote y la mexicana Concepción León Mora presentaron impecables espectáculos a partir de los 3 primeros mandamientos.

Ahora, en el
mes de Julio y Agosto, Inés Saavedra, Alejandro López, Mariela Asensio, Agustina Muñoz, Andrés Binetti y el español Jerónimo Cornelles se explayan a modo de duplas (al igual que en la primera edición) sobre los siguientes tres mandamientos: “Honrarás a tu padre y a tu madre”, “No matarás” y “No cometerás actos impuros”.

Matías Umpierrez

Coordinador Área de Teatro
Este ciclo es producido por Centro Cultural Ricardo Rojas / UBA / Centro Cultural España /
Centro Cultural Helénico y con el apoyo de Iberescena
Decálogo, indagaciones sobre los 10 mandamientosJustificar a ambos lados
PRESENTA
4. Tras nosotras la lluvia, honrarás a tu padre y a tu madre
Texto: Jerónimo Cornelles/ Dirección: Andrés Binetti
Crédito: Guadalupe Gómez Verdi
Sábado 2, 9, 16, 23 y 30 de agosto a las 20 hs
Sala Biblioteca
Elenco: Cristina Fridman, Analía Sanchez, Mariano Maiquez
Escenografía y vestuario: Paula Andrea Lopez
Diseño de Iluminación: Fernando Berreta
Texto: Jerónimo Cornelles
Dirección: Andrés Binetti.

Sinopsis:
“Tras nosotras la lluvia” es un texto que interpreta de manera completamente libre el cuarto mandamiento. Un texto que vuelca lo anteriormente citado en un cuenco y le añade luego el imaginario personal de un autor, en este caso el imaginario de un servidor. Un texto construido a partir de diez escenas cotidianas que, sin ninguna pretensión, funcionan a modo de fotografías que nos muestran la realidad de una familia a lo largo de un día de domingo.

Según el autor:
Según la Biblia, el profeta Moisés recibió directamente de manos de Jehová, "escritas con su dedo", una lista llamada decálogo con diez órdenes o mandamientos que los israelitas debían respetar. Los tres primeros mandamientos de esta lista se refieren a nuestra relación con Dios. Los otros siete, se refieren a la relación con el prójimo. El cuarto mandamiento es quién encabeza este grupo y es también la única orden que menciona una recompensa: “si honramos a nuestros padres nuestros días se prolongarán sobre la tierra que el Señor nos va a dar, y como frutos recogeremos paz, amor y crecimiento humano”. Personalmente creo que honrar a nuestros padres es una buena idea ya que, entre muchas otras cosas, los padres son para los hijos como una puerta de entrada al mundo. Pero atención, a veces esto puede dar lugar a malos entendido, ya que algunos padres creen que honrarlos significa que su autoridad es ser indiscutible y deben ser obedecidos de forma ciega para cumplir con todos sus caprichos. A veces, estos padres, llegan a exigir a sus hijos que lleven la vida que ellos hubieran querido tener y no pudieron, transformándolos de este modo en una especie de prolongación de sus sueños.
Jerónimo Cornelles

Según el director:
Creo que la obra devela la paradoja del mandamiento ¿honrarás a tu padre y a tu madre? Puesto que propone la idea de que no todos los padres son susceptibles de honra. En esta familia tenemos una madre castradora, un padre muerto, que se ha ocupado de dejar sus huellas, una hija paralítica y otra que está se está yendo. Que se quiere salvar de ese mundo. Desde lo temporal, está planteada como una sucesión de escenas durante un domingo lluvioso donde no hay mucho por hacer. La casa en la que conviven estas tres mujeres está ubicada en una pequeña población que es atravesada por una autopista, esta última se vuelve metáfora de la imposibilidad de salir del encierro. Toda la obra está atravesada por relatos
poéticos que develan el pasado que han vivido estas mujeres y ese pasado da cuenta de la oscuridad de sus presentes.
Andrés Binetti


PRESENTA

5. Este amor es una fiesta, no matarás
Texto: Agustina Muñoz
Dirección: Mariela Asensio
Crédito: Guadalupe Gómez Verdi
Sábado 2, 9, 16, 23 y 30 de agosto a las 21 hs Sala Batato Barea
Elenco: Mariana Vidal, Hernan Muñoa, Myriam Henne-Adda, Iride Mockert, Natalia Giardinieri ´Anahi Ribeiro / Asistente artistica: Maria Veronica Mc Loughlin / Coreografia:Barbara Hang / Concepto estético: Vessna Bebek y Mariela Asensio / Diseño de vestuario: Vessna Bebek / Diseño de luces: Marcelo Alvarez Texto: Agustina Muñoz / Dirección: Mariela Asensio

Sinopsis: Muchas mujeres contando una historia de amor trágica y glamorosa. Los
protagonistas de la historia a merced del relato. Un blogspot viviente y descarnado.

Según la autora:
Fue a partir de una frase y una foto que empecé a escribir esta obra. La frase de Jenny Holzer decía : "Con vos adentro mío, llega la noción de mi muerte". Y la foto, una pareja de artistas neoyorkinos, creativos, sensibles, hermosos y exitosos. La imagen es de una placidez que inquieta. Entonces me dispuse a inventar una historia de amor, mirando la foto
compulsivamente. Puedo decir que nuestro 'no matarás' es sobre un amor mortífero.
Agustina Muñoz

Según la directora:
Esto no es una fiesta, no. Es la asociación que hacemos de una historia trágica de amor. Es una historia bien roja con glamour y color y artistas neoyorquinos. Es la moda y la belleza como idea sanguinaria. Es una historia de tapa. De tapa de vogue. Es la imagen de Theresa Duncan y de Jeremy Blake. Es una oda coral divertida y triste a la vez. Es la excusa perfecta para seguir generando ficción. Es la mezcla explosiva que genera una unión repentina entre dos mujeres que no sabían casi nada la una de la otra. Es la vorágine del poco tiempo porque fuimos convocadas después de que la dupla llamada inicialmente decidiera no hacerlo. Es el amor a primera vista entre Agustina y yo, que de pronto nos vimos enredadas en una relación creativa, bella, rara, cuidadosa y pasional. Esto no es una fiesta, no. Pero se le parece.
Mariela Asensio


PRESENTA
6. Cuentos putos, no cometerás actos impuros
Texto: Alejandro López
Dirección: Inés Saavedra Sábado 2, 9, 16, 23 y 30 de agosto a las 23 hs Sala Batato Barea
Elenco: Paola Barrientos, Diego Gentile, María Marta Guitart, Ricardo Merkin, César Rojas, Allende, Daniel Campomenosi / Imagen y sonido: Mario Bocchicchio / Asistencia de dirección: Nicolás Taraborrelli / Dramaturgia: Alejandro López / Dirección : Inés Saavedra

Sinopsis:
Fragmentos de una construcción polifónica.¿actos impuros? No sólo actos, pensamientos, diálogos, fotos, nombres, estados, deseos y miserias. Superficies de chismes, de chismes impuros. Retazos, recortes, de historias que no merecían ser contadas.

Según la directora:
¿Qué es un acto puro. qué es un acto impuro? Y los pensamientos antes de cometer ese acto ¿serán castigados? ¿También son impuros? Y los relatos sobre los actos después de cometidos, ¿también se condenan?¿también son juzgados? ¿Quién desobedece el mandamiento, el que comete el acto, el que piensa el acto o el que lo juzga?
Inés Saavedra

Teatro / agosto 2008
+ Óperas Primas El ciclo “óperas primas”, coordinado y curado por Matías Umpierrez, que durante 2007 reunió exitosamente los debuts teatrales de Daniel Link, Heidi Steinhardt, Saula Benavente, Geraldine Seff, Gabriel Fernandez Chappo y Daniel Guebel; presenta su nueva edición 2008.

Durante este mes de junio se estrenan “Nada de turbe, nada te espante” bajo la
dirección, por primera vez teatral, del coreógrafo y bailarín Pablo Rotemberg. También presentamos “Dos mil treinta y cinco” con el debut como dramaturga y directora de la joven actriz Elisa Carricajo.

Nada te turbe, nada te espante
Dirección: Pablo Rotemberg
Funciones: Miércoles 6 de Agosto a las 21.30 hs. Sala Cancha,
del Centro Cultural Ricardo Rojas-UBA: Av Corrientes 2038
Elenco: Débora Dejtiar, Laura López Moyano, Germán Rodríguez, Viviana Vázquez | Voz en off: Arnaldo André | Escenografía: Mariana Tirantte | Asistente de escenografía: Mariela Solari | Vestuario: Magda Banach | Maquillaje: Valeria Antón | Asistentes de Vestuario: Manuela Guerrero e Inés Donaruma | Iluminación: Magalí Acha | Diseño sonoro: Javier Cano | Selecciónmusical: Javier Cano, Diego Manso, Pablo Rotemberg | Producción: Santiago Miró | Fotografía: Ernesto Donegana.Asistente de dirección: Soledad Gaspari | Asistencia artística: Gabriel Baigorria | Texto: Diego Manso. Dirección: Pablo Rotemberg
Esta obra fue co-producida con el apoyo del Premio S (2005) obtenido por Laura López
Moyano.

Sobre, NADA te turbe, nada te espante.
Son tres mujeres que buscan el amor pero encuentran lo que no es el amor. Un grupo revolucionario de fantasía, como esos productos de procedencia china que llevan el nombre de las grandes marcas. Y así, de repente, se rompe y sólo queda la desilusión. Se mueren de amor, aunque permanezcan sentadas, aunque se apoyen contra una pared cuajada de rosas. Es un hombre que es una mujer y actúa como una serpiente. Elige la traición: este mundo es atroz pero está lleno de hombres fuertes como caballos. Heroínas de novela histórica, donde la más terrible circunstancia del pasado sólo es un pretexto para desenlazar el drama de las pasiones. Ellas son de un país sangriento y de sangre van a acabar salpicadas. El amor se esfuma cuando la música termina.
Pablo Rotemberg

Según el autor:
El playón peronista de Ezeiza legó trece muertitos a la posteridad. El General trajo el frío porque volvió con el invierno de 1973. Ni un día más ni menos. El Movimiento frecuenta los cadáveres, como las señoras de antaño a sus parientes del interior. Riega el suelo y le crecen como cardos. Los transporta embalsamados, los mutila, les infiere penes y escalpelos. Al blíndex lo inventó un peronista que más tarde ganó la concesión de todas las vitrinas —si no es cierto, debería serlo. Los argentinos descienden de los egipcios: momifican, erigen mausoleos, pintan jeroglíficos en las tumbas, pretenden maldiciones para los profanadores. El líder los arreó como a las reses: por aquí pasó el abuelo estibador de la Swift, señala uno las inmediaciones del Puente Avellaneda. La fuente donde remojaron las patas rebalsaba del ácido que les consumió las carnes algunos años después. La muerte no es tan muerte cuando se prueba a cucharaditas: papá sopla sobre la papilla caliente, el nene abre la boquita, deglute. Y un día llegan los milicos. La biología es sabia: nadie caga lo que no come.
Diego Manso

Dos mil treinta y cinco
Texto y Dirección: Elisa Carricajo
Funciones: Viernes 1, 8 y 15 de Agosto, a las 22 hs. Sala Cancha Centro Cultural RicardoRojas / UBA Av Corrientes 2038

Sobre la obra:
Década de 2030. Buenos Aires. Magalí lleva un largo rato discutiendo con Ana y no se están entendiendo. Máximo mira en las vidrieras de la cuadra de su casa cosas que nunca va a comprar. Ella hace tiempo en una confitería.
Elenco: Paula Acuña, Julia Amore, Federico Buso y Débora Dejtiar / Diseño de espacio: Marcelo Marzoni/ Diseño y realización de vestuario: Victoria Blanco y Virginia Mandayo/ Iluminación: Marcelo Marzoni y Hernán Molinari/Instalación: Obra ¨Dispersiones¨ de Leandro
Núñez/Producción: Hernán Molinari/Asistencia de dirección: Nina Engel/ Diseño Gráfico: Game On
Texto y Dirección: Elisa Carricajo

Sobre Dos mil treinta y cinco
Imaginar una historia en el futuro suele ser una especie de ejercicio en espejo que pone en juego, al mismo tiempo que proyecta, un determinado vínculo del presente con el pasado. ¿Cómo construir entonces una escena cotidiana que transcurra dentro de unos treinta años? No se me ocurre que vayan a llegar los extraterrestres. Ni que el mundo podría explotar. Nada hace pensar que vaya a haber un cambio que lo transforme todo de un día para el otro y, sin embargo, tantos cambios ocurren todos los días. Una contradictoria sensación parece indicar que en paralelo a una desenfrenada, veloz e inaprensible transformación tecnológica y biotecnológica, pocas novedades nos esperan en otros terrenos. Los vínculos humanos ofrecen extrañas resistencias. Como una babosa gorda y lenta, se arrastran pesados al lado de los cambios y los acomodan como pueden en las maneras de entender el mundo que conocen de antaño. Esta sensación fue el punto de partida de este trabajo.
Elisa Carricajo

Compañía de Teatro “Carlos Pellegrini” en el Rojas:
Humanimal
Idea y dirección: Charly Wesenack Martes 5 y 12 de Agosto a las 21hs Sala Batato Barea

Humanimal es un espectáculo teatral crudo que utiliza distintas técnicas como teatro de imagen, teatro de acción, teatro danza, teatro negro; con todas estas técnicas y sin usar texto relata la historia de una tribu desde su gestación hasta la extinción pasando por el reconocerse así mismos, posicionarse entre sí, el descubrimiento de la sexualidad y las ceremonias, el canibalismo y la violencia por recuperar poderes y paternidades perdidas.
Elenco: Claudio Amengol, Samantha Fiorino, Paula García, Hernán Lewkowicz, Laura Mantelman, Daniela París, Rita Seguin, Virginia Valles / Músicos: Joaquín Díaz, Pedro Lipovetzk / Maquillaje: Belén Saralegui / Sonido: Romina Incarbone / Luces: Juan Corti / Diseño de vestuario: Belén Aviles / Asistente de dirección: Romina Incarbone / Idea y dirección: Charly Wesenack

MAYORÍA
de Maruja Bustamante
(Espectáculo estrenado en el Rojas a partir de la conmemoración del aniversario del Mayo Francés)
* 10 ÚNICAS FUNCIONES * Viernes 1, 8, 15 de Agosto / 21 hs. Sábados 2, 9, 16, 23 y 30 de Agosto / 21 hs. Sábados 23 y 30 de agosto a las 23.30 Ciudad Cultural Konex Sarmiento 3131, Ciudad de Buenos Aires
Elenco: María Elena Acuña, Diego Benedetto, Lola Borgia, Federico Castellón Arrieta, Carolina Cisera, Juan Ruy Cosin, Karina Hernández, Anne Holcomb, Matías Marmorato, Gael Policano Rossi, Luciano Ricio, Leonardo Serio y Sofía Wilhelmi. / Concepción espacial y de vestuario: Grupo Capicúa / Diseño de luces: Maruja Bustamante Diseño de Movimientos: Nicolás Bolívar / Foto y diseño gráfico: Grupo Capicúa + Martín Alomar / Asistencia artística: Gael Policano Rossi / Asistente de dirección: Maria Solari / Puesta en escena y dirección
general: Maruja Bustamante

SOBRE LA OBRA ¿Qué pasa cuando un joven de 20 años cree que ya es un intelectual? ¿Qué es un intelectual? ¿Cuántos intelectuales existen? ¿Qué películas miran? ¿Qué libros hojean? ¿Qué música suena? ¿Qué pasa si solamente quieren pasarla bien? Elijo: las manifestaciones surgidas del aburrimiento de los jóvenes motivados, las canciones, los párrafos, los graffitis, las calenturas románticas de los iniciados. Lo impulsivo. "Si lo pensás no te peleas": eso es ser civilizado. La revolución no se ensaya. He leído en las noticias que hablar del Mayo Francés es una pérdida de tiempo, que reivindica una pequeña revuelta burguesa, de aburridos gringos universitarios. Tres bien! bien, bien, bien! Nunca fui a Francia, lo admito. Nunca tomé un avión de más de dos horas. Es más, no tengo pasaporte. Pero sí sé que me conmueven las revueltas, las preguntas, los justicieros, los superhéroes, los jóvenes, el griterío, la piel blanca que me parece débil, los hombres contra los hombres, las imágenes claras, las ideas vagas. Las mujeres (gordas, altas, sin corpiño, con diez amantes, sin nadie para amar). Los amanerados intelectuales, el olor del queso, el corcho del vino. El gato al lado del cenicero. Y la playa debajo del asfalto. En mayo, en Francia es primavera. Me sé Manuelita en francés. Mambrú se fue a la guerra, La vie en rose, La marsellesa, Sobre el puente de Aviñón y Fray Santiago. Para mí, Francia es una canción.
Maruja Bustamante

Funciones: viernes y sábados 21hs Entradas a la venta a través de Ticketek, llamando al
5237-7200 o ingresando a www.ticketek.com.ar , y en Ciudad Cultural Konex, al teléfono
4864-3200. Ciudad Cultural Konex

Fuente: artezblai

lunes, 28 de julio de 2008

Primer Encuentro De Teatro Integrado para actores con capacidades diferentes

El próximo 16 de octubre, de 8 a 17 horas, los municipios de Berazategui, Florencio Varela, Avellaneda, Campana y La Plata desarrollarán el Primer Encuentro de Teatro Integrado.

Se trata de una jornada que reunirá a actores con capacidades diferentes y convencionales, en el Auditorio del Centro Cultural Municipal “León F. Rigolleau”, en Berazategui.

Teatro integrado

Teatro Integrado es una actividad concreta entre actores con capacidades diferentes y convencionales, que fusiona aptitudes y las potencia a partir del trabajo conjunto.

La premisa que anima a la iniciativa consiste en focalizar lo que se puede hacer a la hora de trabajar con personas con capacidades diferentes, en remarcar el potencial en lugar de sopesar las limitaciones, en una práctica tendiente a forzar los límites y propiciar una genuina integración.

La apuesta de la cartera cultural y educativa local radica en el desarrollo del potencial personal, más allá de las limitaciones físicas o psíquicas que pudieran presentarse. Brindar la oportunidad para que esto ocurra es una de las tareas fundamentales de la institución, ya que nadie está privado del don de la creatividad: el respeto por los tiempos y posibilidades de cada uno es el punto de partida para una integración plena en una sociedad cada vez más tolerante con las diferencias individuales.

Fuente: Diario El Día

Daniel Veronese: "Cuando tengo tiempo libre, ensayo una obra"

Dirige cinco trabajos al mismo tiempo, ensaya otros dos y hasta armó un teatro en su propia casa. "Soy un excedido en todo", dice este hombre que se define como un obsesivo a la hora de trabajar y, también, un apegado a la periferia.

Por Sandra Comisso

Timbre B: casa del director Daniel Veronese; timbre C: teatro de Daniel Veronese. Algo lógico para alguien que no conoce el tiempo libre. Con cinco obras (entre propias y ajenas) en la cartelera porteña: Gorda, Teatro para pájaros, La noche canta sus canciones, Espía a una mujer que se mata y Open House, a los 52 años, el autor -tal vez uno de los hombres más productivos y activos de su ambiente- convirtió al teatro en su vida. Y no dudó en instalar una sala para 80 personas en su propia casa. Tan natural resulta el hecho de compartir hogar y trabajo que hasta sus dos gatos, Holanda y Negrita, se pasean orondamente entre los actores mientras dura la función.

¿Cómo se hace para repartir el trabajo de dirección entre tantas obras simultáneamente?

Bueno, todos los actores me reclaman que no voy a verlos. (Risas). Pero en realidad mi trabajo es como el de un malabarista con los platos que está atento a que no se le caiga ninguno. La que veo que empieza a girar de una manera extraña, la apuntalo. Pero en general, armo elencos que conservan la estructura de las primeras funciones y si se modifican, como sucede en todo espectáculo, en un devenir lógico, lo hacen en la manera correcta. Si el actor sabe lo que tiene que hacer y le satisface lo que hace, es probable que lo conserve. Por eso, en las puestas trato de generar un clima de consenso, que el actor esté cómodo, y crea en lo que hace. Además, algunas obras están en cartel hace algunos años y la permanencia se da porque el público la quiere ver, los actores la quieren hacer y yo quiero mostrarlas. También se acumulan porque yo trabajo mucho: cuando tengo un tiempo libre, ensayo una obra, y por lo general, ensayo dos al mismo tiempo. Hay obras que no puedo ponerlas en escena, porque los actores se repiten y por falta de tiempo. Pero el año que viene, me voy a mudar y lo que es ahora mi casa va a ser otra sala más. Así va a haber unas ocho obras en cartel, de lunes a lunes. Soy un obsesivo del trabajo: cuando tengo tiempo libre, genero; y cuando genero, después lo tengo que mostrar.

Ahora mismo, Veronese está ensayando dos clásicos de Henrik Ibsen: Casa de muñecas y Hedda Gabler (ver Sabías), con versiones propias que estrenará en agosto en su sala Fuga Cabrera, un reducto bastante escondido en el corazón del barrio de Palermo.

¿La clave es trabajar en equipo?

Yo creo firmemente en el grupo de trabajo. Tengo muy buenos asistentes, en los que confío y a veces, elijo primero a los actores y después la obra que voy a hacer con ellos: Eso me permite tener tranquilidad al saber que todo va a seguir el curso esperado.

¿Está en tus planes hacer cine?

Sí, hace mucho que lo estoy pensando. Tengo un proyecto de un director español sobre mi obra Mujeres soñaron caballos que se dio en Madrid y me propone hacer una versión cinematográfica, pero va un poco lento. La verdad, le tengo un poco de miedo al artificio cinematográfico, toda esa técnica al servicio de un producto que no se puede mover, salvo en la edición, tan distinto al teatro. En cine hay que pensar en planos, en ritmos. Pero es un desafío y creo que si me pongo, no saldría del cine con facilidad, siento que me atraparía. El problema es que estoy excedido en mi trabajo, me seduce lo que hago y no sé parar.

Evidentemente, frente a la posibilidad de hacer algo nuevo, no dudás...

No, es una necesidad creativa, indagar en lenguajes desconocidos, probar cosas nuevas. No me tomo descanso, porque para mí es un privilegio el teatro. No puedo decir trabajo de esto, yo vivo de esto, nadie me fuerza. Sólo yo puedo decir: este año paro tres meses pero después pienso, en tres meses puedo preparar dos o tres obras, surgen proyectos y si se dan las posibilidades y uno lo disfruta, ¿por qué no hacerlo? Soy excedido en todo. Además, creo que en terreno del arte decir que algo no se puede no es lógico. Justamente lo que no se puede o no se debe es lo que se tiene que investigar, ése lado oscuro es el que hay buscar.

Veronese, curiosamente, no trasmite un estado de exacerbada actividad. Al contrario, se sienta a conversar con toda paciencia. Y a pesar de su cargada agenda sabe hacerse tiempo para dedicarles a sus hijas: Valentina, de 11 años, y Juana, de dos meses, (bautizada así en honor a una de las abuelas del autor, de 93 años). "Las nenas están en dos momentos tan distintos, pero se llevan maravillosamente", dice.

El hombre no necesita hilo conductor para dar a conocer sus ideas: está acostumbrado a hacerlo. "Soy muy hedonista y no quiero hacer cosas que no me den placer. Así fue desde el principio. Empecé a trabajar de muy chico en la carpintería de mi padre y de mi abuelo, por necesidad, y estudiaba a la noche. Me crié en un ambiente que no tenía nada que ver con el arte. A los 25 años ya tenía 10 de oficio, de un oficio que me encanta, pero no para vivir de eso. Hago muebles porque tengo ganas, pero yo sabía desde chico que quería hacer otra cosa que me diera placer. Vengo de una familia en la que la cultura del trabajo no está asociada con lo placentero. Me costó encontrar qué era lo que yo quería. Busqué muchas cosas hasta que encontré los títeres, después pasé al teatro, la dramaturgia, la dirección y todo lo que vino después. Y ahora tal vez, el cine. Pienso que en un par de años, puedo estar haciendo algo completamente distinto y no me asusta pensar en eso.

Fue como un camino lógico pasar de la carpintería a las marionetas de madera y después a los actores de carne y hueso, casi como si fueras un Gepetto con muchos Pinochos.

Sí, fue natural pasar de las marionetas que fabricaba en esa carpintería que heredé y fundí para poder irme, fue como quemar las naves para no poder volver, al elenco de titiriteros del San Martín. Y luego a la escritura. Ir de los muñecos a los actores marca un arco coherente en la expresividad. Lo que sí me quedó es un gusto por la madera: su olor, su textura. Ahora junto vigas o pedazos de madera por la calle, o que traigo de los viajes.

Si no había antecedentes artísticos en tu familia, ¿de dónde viene tu inclinación por el arte?

Mi primer maestro, Ariel Bufano, cuando le preguntaban si de chico había tenido inclinación artística, respondía: Si, me encantaba treparme a los árboles. Y creo que el arte tiene que ver con una mirada distinta, con algún permiso. La creatividad puede estar en cualquier lugar y momento: tiene que ver con desarraigarse de la masividad, salir de un pensamiento común, de la manada que tiende a superficializar. Eso sí, ahí es donde uno se topa con sus contradicciones, sus grietas, sus fantasmas. No es fácil pero una vez que vas por ahí no podés volver atrás.



¿Qué temas te interesan tratar?

Antes escribía más sobre formas y procedimientos. Pero desde que nació mi primera hija, empecé a necesitar otra respuesta del público, empecé a buscar una emotividad que no buscaba antes. Yo quiero que en mis obras, el espectador entre de una manera y salga de otra, modificado, tocado. Antes todo pasaba por un proceso más racional y ahora prefiero que el pensamiento racional venga, en todo caso, después de la emoción. Todo lo contrario del distanciamiento. Es que ser padre me radicalizó: me hace ser más valiente y más temeroso a la vez.

Dispuesto a mostrarse transparente, Daniel Veronese cuenta que el nombre de su sala teatral, Fuga Cabrera, está asociado con la posibilidad de escapar. "Es un lugar que sale del centro, me gusta la periferia", dice él que alguna vez formó parte del grupo El Periférico de los Objetos. "Lo asocio con una definición que oí alguna vez y me parece exacta: El arte es un dardo arrojado en la oscuridad. Es confiar en tu intuición, desconocer el itinerario pero sí conocer el efecto. Es algo desconocido que te pone en crisis; una crisis te va a llevar a algún lado. Y yo, seguro, funciono mejor en el desconcierto que en la comodidad".
Fuente: Clarín

jueves, 24 de julio de 2008

“Es la primera tira que hago y es fascinante por donde se lo mire”

Julieta Vallina (Vidas Robadas)

La Plata - Julieta Vallina, actriz de la telenovela Vidas Robadas que emite Telefe de martes a viernes, charló en exclusiva en el programa de radio “Tres para un Bar Perfecto” que se emite los viernes de 23.00 a 00.00 por la FM Blue 105.3

Con el humor de Tato de Gaetano y Marcelo Pérez, conductores del exitoso programa radial, Julieta Vallina dialogó y comentó su vida desde que comenzó la novela y su trabajo en ella.

“Es la primera tira que hago y es fascinante por donde se lo mire. Es otro tipo de entrenamiento, cuando tenes la posibilidad de hacer un personaje con continuidad, hay algo de la rapidez con que llega el guión la noche anterior, o el mismo día y hay algo de sacar el trabajo adelante que realmente es un entrenamiento fascinante”, comentaba la actriz en el programa “Tres para un Bar Perfecto”.

Más adelante, Vallina agregó: “es un trabajo contrario al que se hace al teatro en cuanto a tiempo, porque hay que resolver en el momento. Es como tirarte a la pileta y decidir sobre la marcha” y continuó: “los vínculos que se van formando con los compañeros se ven representados en la pantalla, y eso está bueno porque te permite empezar a desarrollar más el personaje”.

Respecto de la novela, la actriz explicó: “Vidas Robadas, tiene como tema central el trafico de personas, tomado un poco del caso real de una chica que se llama Marita Verón cuya madre la busca desde hace 5 años”.

Su personaje se llama Belén, y es la amiga de la Juliana, una chica que es secuestrada. Ella y la madre de Juliana, Rosario, protagonizado por Soledad Silveyra, la buscaran a lo largo de toda la tira.

Entre risas e intimidades, la entrevista pasó por diferentes aristas, y entre ellas, los conductores le preguntaron qué era lo que la hacía reír y lo que la hacia llorar, Vallina respondió: “reír me hace reír mucho mi marido y mi hija, ella tiene un risa muy contagiosa y la amo mucho”, y continuó: “me hace llorar muchísimas cosas, lo que nos hace llorar a todos en general, el desamor, la injusticia y ese tipo de cosas”.

“Tres para un Bar Perfecto”, promete seguir entrevistando a famosos, entre ellos a Facundo Arana, y a diferentes bandas de músicas tanto platenses como nacionales.

Fuente: impulsobaires

viernes, 18 de julio de 2008

Estelares - Pronta entrega

El cover de Virus en el recital en CC San Martin en 2005. Audio y Video de Ciudad Abierta.

viernes, 4 de julio de 2008

¿Quién no es salvaje? de Dai Chee Chang

Foto: Silvana Miyashiki

La risa no me pertenece...

Por Ale Cosin

Sepan disculpar si cambio el habitual estilo de escritura y comienzo en primera persona. Un jueves gris, como hacía tiempo no teníamos en Buenos Aires, con esa llovizna resbalosa y el frío que te tira desde la solapa hacia adentro de tu casa, salí a ver la última obra de Mabel Dai Chee Chang, ¿Quién no es salvaje?

Esta mujer me tiene acostumbrada a sorpresas dignificantes de mi función, así que sabía que no me iba a arrepentir. Me creaba incógnitas la fusión con la dramaturga Griselda Gambaro. ¿Qué haría con una textura tan densa?

Me encontré con una pieza de las que pueden explicar por qué una obra de danza, utilice texto o no, se sirva de personajes o no, es danza: el protagonista es el cuerpo, el del espectador. Y en este caso, los del rol aquel, el que nos posterga a una butaca, quedamos con el cuerpo entumecido, los glúteos contraídos contra el asiento, las mandíbulas desarticuladas y lágrimas acongojadas imparables aún con la luz encendida (cuando se supone que ya terminó el jueguito, el que nos otorgaba ese rol).

"La tarea de un escritor es revalorizar las palabras, darles sentido dentro del texto y recobrar la legitimidad de aquellas palabras que los usos políticos, sociales y cotidianos deforman y corrompen", asevera categórica Gambaro en una entrevista publicada en "Página 12", en 2003. Tal vez Dai Chee Chang tomó la consigna con respecto al movimiento de las palabras a través del cuerpo y entre los cuerpos, al sentido que se le puede dar al texto danzándolo brutalmente, arrojando los cuerpos hacia los ojos del espectador, quien ruega volver a leer las palabras en los libros. Incluso, estoy segura de que un angloparlante, por ejemplo, hubiera acabado igual al final de los minutos bien administrados de impresionante despliegue escénico, porque el texto funcionó como un elemento más de golpe. Uno más.

Tan acostumbrados estamos a piezas de danza, por estos días, que apelan al humor, al giro irónico, la mueca absurda o agresiva (no siempre vacía, no siempre cínica) y sobre todo, a mujeres "hermoseadamente" masculinas; que ¿Quién no es salvaje? nos sorprende incluso desde su "desactualidad" estética. Y lo agradecemos, puesto que en lugar de moda, vemos mucha autenticidad. No desmerecemos otros trabajos contemporáneos que utilizan muchas veces con impecable éxito, elementos satíricos, irónicos, y otros formales, abstractos, para crear sus piezas plenas de sentido. Mabel Dai Chee Chang tiene un estilo muy particular que no reconoce obvias referencias a escuelas contemporáneas de técnica o composición escénicas. Ni para modelar sus danzas ni para articular la dramaturgia. Ésa es una diferencia notable, la consecuencia de esta creadora con su poética.

Los intérpretes literalmente entregan su energía física en la escena. Y lo hacen de manera tan verosímil, que nos llegan a doler sus cuerpos. Posiblemente ellos tengan el control como para no lastimarse, pero la narración, los personajes, requieren esa energía y ahí está. Sin embargo, las chicas logran mejor aquellos personajes que son absolutamente insufribles. Ana Cecilia Gonzáles, Agustina Menéndez, Yerutí García Arocena encarnan mujeres sufridas, horrendas, patéticas y monstruosas de la dramaturgia de Gambaro con mucha solidez, a pesar de su juventud.

La escenografía y la iluminación complementan la angustiosa puesta (no olvidemos que Dai Chee Chang es también artista visual), y la música de Claudio Peña resulta una verdadera banda de sonido.

9º Festival Internacional de Teatro Palco & Rua Belo Horizonte 2008 - Brasil

Treinta y cuatro espectáculos conforman la novena edición del Festival Internacional de Teatro Palco & Rua de Belo Horizonte que se celebra del 26 de junio al 6 de julio de 2008 con el objetivo principal de unir la diversidad de lenguajes a la calidad de los artistas, para lo que se han organizado, de forma gratuita, cursos especializados, mesas redondas y demostraciones de métodos de trabajo de grupos, entre otras actividades, así como un Punto de Encuentro donde tendrá lugar la Muestra de Movimientos Urbanos.

Son nueve las compañía que actuarán en espacios alternativos y entre ellas está el Grupo Carandiru de Teatro de Brasil que representará en la Casa do Conde Salmo 91, una adaptación del romance ‘Estaçâo Carandiru’, de Drauzio Varella, propuesta de diez monólogos que desarrollan varias crónicas sobre las formas de vivir y morir frente a la violencia y el confinamiento.

Otro de los grupos brasileños que participa es la Compañía Pierrot Lunar, que cuenta la historia de Ana, una mujer obsesiva que tras su separación rapta mentalmente a su ex-marido. A partir de ahí la obra Atrás dos Olhos das Meninas sérias, la compañía reflexiona sobre la configuración del papel masculino y femenino.
En el Espacio Odeón Cultural estará Odeon Companhia Teatral con su obra Servidâo, narra el drama de Philip, un huérfano cojo que decide ser artista por ‘falta de talento’, mientras que la obra Esta Noite Mâe Coragem es un montaje del grupo ZAP 18 que parte de la obra ‘Madre coraje y sus hijos’ del dramaturgo Bertolt Brech.

Dentro del Proyecto Encuentros del Festival, una de las compañías invitadas es Clara de Teatro que representará en Caixa Clara Vilarejo do Peixe Vermelho, una obra compuesta por tres historias que tratan los lazos de unión entre tres personajes que ni si quiera se conocen. En el mismo espacio la Compañía de Teatro PR Brasil pondrá en escena Volta ao Dia, la historia de dos mujeres desconocidas que se encuentran en un apartamento.

En Andrógena de Minas de la Compañía Buissonnière utilizan la danza y el teatro con un lenguaje multidisciplinar en el que Andrógena se enfrenta a los desafíos del capitalismo para salvar al ser humano. Es cuanto a la temática que aborda el Grupo Farm in the Cave en Sclavi- The Song of an Emigrant, se trata la inmigración a través de un hombre que regresa a su país y en la distancia recuerda la falta de derechos sociales y de identidad que tuvo que sufrir.

En el espacio alternativo Lapa Multshow se presenta Hecho en el Perú, Vitrinas para un Museo de la Memoria, del Grupo Cultural Yuyachkani que pertenece a la Muestra de Teatro Latino-Americano y que consiste en una instalación plástica que utiliza la dramatización frente al espectador que se enfrenta a la vitrina.

Fuente: artez